Sélection Musiques du monde 2018

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René Zosso qui « chante et vielle » et aime la saveur des mots, est un artiste-pédagogue rare et précieux. Sa connaissance du répertoire des chansons traditionnelles du domaine français et des musiques médiévales en fait un spécialiste incontesté de la modalité. Acteur de la première heure du renouveau de ces musiques, René Zosso (qui a aussi croisé la musique électroacoustique) joue et chante en solo, en duo avec Anne Osnowycz ainsi qu’avec l’ensemble de René Clemencic et Jordi Savall a fait appel à lui comme récitant.
Ce DVD présente en 4 heures son stage-conférence et résume, au long des bourdons de sa vielle, l’essentiel de sa pensée et de son analyse. Ce document, incontournable pour qui souhaite mieux comprendre les musiques monodiques modales, sert de guide dans ce système musical souvent méconnu.

Teruhisa Fukuda, maître de la flûte shakuhachi dont il joue depuis près de cinquante ans, interprète des musiques issues des traditions anciennes du Japon aussi bien que d’œuvres contemporaines. Le shakuhachi est une flûte droite fabriquée en bambou percé de cinq trous et dont l’embouchure est faite d’une simple encoche taillée en biseau. Sa technique de jeu repose sur une grande maîtrise du souffle, permettant au musicien de produire une variété d’effets sonores. Dans ce CD, maître Fukuda présente une suite de sept pièces issues d’un répertoire de musique datant du XVII^e siècle. Elles étaient originellement interprétées par des moines de la secte Fuke du bouddhisme zen, qui considéraient leur instrument comme un outil de leur pratique méditative. Ces sept morceaux sont destinés à être joués en solo dans un état d’esprit fondé sur la pensée zen.

5 livres CD :

• Bella Louison, chansons traditionnelles en Haute Savoie
• Kroka La Nui, chansons traditionnelles en Savoie
• Triolèt, Chansons savoyardes
• Bessans qui chante
• La Kinkerne 40 ans

Association culturelle annécienne, les projets artistiques de Terres d’empreintes sont fondés sur la mise en avant des identités culturelles des 2 Savoie. Elle organise chaque automne le « Festival des Empreintes Sonores » dans l’Agglomération d’Annecy et travaille pour la valorisation et la réactualisation des musiques et chants de tradition orale.

Contact : www.terresdempreintes.com

La musique occidentale arménienne populaire utilise les instruments tels que oud, qanun, keman, darbouka, clarinette, mandoline, tambourine, dumbeg ainsi que le duduk qui en est la caractéristique. Les chants sont en plusieurs langues : en arménien, turc, grec, kurde ou autre, souvent un métissage de langues comme le parler des rues. Les premiers enregistrements de la musique ottomane-anatolienne joués et chantés par des Arméniens, des Grecs, des Arabes de l’Empire, entre 1909-1929, ont été ainsi réalisés aux Etats-Unis, puis en Europe. Ce recueil rassemble les performances des grands artistes de l’époque de Sayat Nova à l’âge d’or d’une reconstruction culturelle et musicale en diaspora.

Ce trio « voix, harmonium et violoncelle » revisite de manière singulière et originale les fleurons de la musique religieuse de Basse-Bretagne. Transmis depuis des générations, ces chants sont des miroirs de l’âme d’un peuple qui chante sa foi. Le répertoire présenté est le fruit d’un travail de recherche, d’harmonisation et d’instrumentation, respectueux du caractère propre à chacune des mélodies. Aux mélodies traditionnelles répondent des œuvres instrumentales de compositeurs classiques inspirées par les cantiques bretons.

Pour l’anecdote, le titre de cet album a été inspiré par l’australopithèque qui a été découvert en 2000, en Éthiopie, dans la région de l’Afar, et qui serait né il y a 3 millions d’années. On lui a alors donné le nom de Selam. Machine à Groove, l’éthiojazz d’Arat Kilo est la rencontre de musiciens parisiens avec la fascinante richesse des musiques éthiopiennes et particulièrement les années 70 d’Addis-Abeba. « Visions Of Selam » accueille les voix de la malienne Mamani Keita et du rappeur américain Mike Ladd. Il a été enregistré en trois jours à l’ancienne, avec un simple 24-pistes et de vieilles réverbs analogiques. Aucune concession n’ayant été faite aux machines numériques.

Muddy Gurdy est l’idée originale d’un trio français basé autour de la vielle à roue et profondément inspiré par le blues. Le trio composé de la chanteuse / guitariste Tia Gouttebel, du percussionniste Marc Glomeau et de Gilles Chabenat à la vielle, a voyagé jusqu’au Nord du Mississippi. Inspiré par la musique de légendes (RL Burnside, Junior Kimbrough, Othar Turner, et James « Son » Thomas) et ils ont revisité blues rural avec Cédric Burnside, Cameron Kimbrough, Pat Thomas, et Sharde Thomas.

Ed. L’Asiathèque, Maison des langues du monde.

Cet ouvrage rend hommage à la richesse et à la diversité des travaux pionniers de Mireille Helffer qui s’étendent sur plus d’un demi-siècle. Musicienne, ethnomusicologue, elle s’est rendue dès la fin des années 1960 au Népal, en Inde, au Tibet et a inspiré plusieurs générations de chercheurs. Le livre regroupe des contributions de chercheurs appartenant à sa génération mais aussi celles de chercheurs plus jeunes qui ont bénéficié des ses connaissances. La première partie réunit traite d’un thème qui lui est cher : Conteurs et Epopée. La deuxième partie est dédiée à la danse, à la musique et au théâtre. La dernière partie réunit des études népalaises et tibétaines. Si les textes rassemblés sont, pour la plupart, consacrés à ses thèmes de prédilection - littérature orale au Népal, épopée tibétaine de Gésar, musique liturgique et danses sacrées - une part est dédiée au Bouddhisme, à la littérature et à l’art tibétains.

Le Pansori, récit chanté d’origine populaire, né au XVIII^e siècle dans les foires de Corée, devenu patrimoine mondial de l’UNESCO, est-il toujours aussi « intangible » à l’âge de la globalisation ? Ce recueil d’articles fait le point sur un art très vivant dont la transmission ne s’est jamais interrompue. De nos jours, le Pansori part à la rencontre de publics nouveaux (en particulier en France), occidentalisés (avec les versions opératiques, Changgeuk, confrontées aux plus grands metteurs en scène internationaux), ou rajeunis (avec des pansoris de création qui s’inscrivent dans la vie de la cité). Il connaît ainsi de nombreuses mutations. Les meilleurs spécialistes nous font partager leur savoir, mais aussi leur engagement et leur passion pour ce genre dont les questionnements croisent ceux de l’ethno-scénologie autant que ceux du théâtre et de l’opéra contemporains.

Depuis la fin des années 1980, le rap est devenu, au Gabon comme dans d’autres États du continent, le levier de constructions identitaires, de reconfigurations des rapports au politique et de transformations culturelles majeures. À l’inverse des discours abordant ce genre musical globalisé comme emblème de l’« occidentalisation » ou de l’homogénéisation culturelle, l’appropriation du rap a donné lieu, à Libreville, à des formes variées de réinventions de particularismes se déclinant dans le registre du genre, du religieux, du rapport à la nation, à l’ethni¬cité ou à l’africanité. Née d’une immersion de huit années dans les réseaux du hip-hop, cet ouvrage éclaire les entrelacements des pratiques musicales, des dynamiques identitaires et des rapports au pouvoir, en décrivant comment les rappeurs du Gabon se sont imposés comme des acteurs politiques d’un régime semi-autoritaire en mutation. Par le biais de l’anthropologie des pratiques musicales, cet ouvrage offre un axe de compréhension novateur à propos de l’histoire politique et culturelle du Gabon et des scènes musicales qui contribuent à mettre en mouvement les villes africaines contemporaines.

Tony Gatlif : « Dans Djam, je ne voulais pas filmer les traces des migrants de façon larmoyante (...) Je parle de quelque chose qui m’a fait mal. » Djam ou une histoire entre la Turquie et la Grèce, sur les pas des réfugiés, où se mêlent musique et amitié. Djam, une jeune femme grecque, est envoyée à Istanbul par son oncle Kakourgos, un ancien marin passionné de Rébétiko, pour trouver la pièce qui réparera leur bateau. Elle y rencontre Avril, une française de dix-neuf ans, seule et sans argent, venue en Turquie pour être bénévole auprès des réfugiés. Djam, généreuse, insolente, imprévisible et libre la prend alors sous son aile sur le chemin vers Mytilène. Un voyage fait de rencontres, de musique, de partage et d’espoir.

Comment un groupe indépendant, griffé Occitanie, membre de la « Linha Imaginot », fidèle à l’esprit d’un Felix-Marcel Castan, théoricien du concept de « décentralisation culturelle » né il y a 30 ans, grand absent de la scène médiatique, continue t-il de remplir les salles et les festivals ? Pourquoi ce groupe hors système, qui a largement participé à l’éclosion du mouvement Hip Hop et Reggae en France, est-il devenu un phénomène populaire ? Christian Philibert a suivi pendant plus d’un an, sur scène et dans les coulisses, les membres du Massilia Sound System et leur public de fidèles. Il nous livre un film musical débordant d’optimisme et de générosité, drôle, politique et profondément humain. Une vraie bouffée d’oxygène.

Konstelacio est une association créée en 2011 qui a pour but de sensibiliser le grand public à la diversité culturelle (fondatrice Charlotte Courtois). Elle intervient principalement auprès des enfants mais aussi auprès de différents acteurs spécialisés dans le domaine de l’enfance (enseignants, animateurs, éducateurs…). D’autre part, elle connecte un réseau d’artistes (musiciens, artistes peintres…) d’origines, de cultures différentes afin d’élaborer des actions métissées provoquant ainsi l’échange et la co-création. Auprès des enfants Konstelacio aborde des sujets aussi divers que la rencontre de l’autre, les stéréotypes, les préjugés ou- l’acceptation. En parallèle à ses actions elle crée différents supports pédagogiques. L’association est par ailleurs porteuse du projet Lyra parrainé par la comédienne Bérénice Bejo. Un groupe de musiciens traditionnels de France (musique bretonne), d’Inde et de Tunisie, interviennent auprès d’enfants de par le monde pour montrer que la musique peut être un bel outil de dialogue

Pan African Music est un nouveau média consacré aux musiques africaines d’hier et d’aujourd’hui. Son but : faire découvrir les trésors musicaux de ce continent, au rythme des époques, des pays et des styles. Pour faire connaître, comprendre et aimer ces musiques trop méconnues, le mieux est de les éclairer. Il fait appel aux meilleurs journalistes / spécialistes pour qu’ils partagent leurs connaissances et leur passion. Et comme ces musiques racontent des histoires, et sont aussi parfois témoins de l’Histoire, ils prennent le temps d’évoquer leur contexte afin d’en éclairer le sens et de les apprécier plus encore.

Gilbert Rouget (1916-2017), ethnomusicologue.
Charles Duvelle (1937-2017) Musicien, compositeur et fondateur de la collection OCORA-Radio France.
Eve Griliquez (1927-2017), comédienne, productrice.
Régis Gizavo (1959-2017), accordéoniste malgache.
Jacky Micaelli (1955-2017), chanteuse corse.
Doris Léon Menard (1932-1977), chanteur-compositeur de musique cadienne.
Hugh Masekela (1939-2018), trompettiste sud-africain.
Kishori Amonkar (1932-2017), chanteuse de khyal indien.
Angel Parra (1943-2017), chanteur chilien.
Medouna Diallo (1949-2018), chanteur sénégalais d’Orchestre Baobab et Africando.
Blaoui El Houari (1926-2017), chanteur algérien, père du Asri.